Marty Supremo (Marty Supreme)

 

Sinopsis: Marty Mauser (Timothée Chalamet) asegura ser el mejor jugador de tenis de mesa del mundo pero su imprudencia y soberbia podrían condenarlo al fracaso.

Reseña: Marty Supremo hace lo que todo biopic debe hacer. No se interesa tanto en recrear detalladamente una serie de momentos importantes en la vida de la figura en la que se basa (de hecho su veracidad histórica es nula) sino en contar su propia historia a partir de su espíritu y personalidad. 
Dicha historia es muy simple, una mera excusa para desatar una caótica e impredecible cadena de eventos que mezclan la comedia, el drama, la tragedia, el thriller y el deporte pero que logra que esta amalgama sea apropiada y totalmente lógica debido al comportamiento de Marty: arrogante, impulsivo y a la vez enormemente ambicioso y talentoso (ya sea para el tenis de mesa o para manipular personas a su antojo).
Pensándolo bien la estructura narrativa de Marty Supremo recuerda a los proyectos anteriores del director Josh Safdie junto a su hermano Benny (Good Times y Uncut Gems) con situaciones surrealistas que empeoran cada vez más debido a la negligencia del protagonista. En este caso el tono de la película es mucho más ameno y motivacional pero eso no quita que haya momentos realmente crudos y de gran tensión. Por el lado negativo, al igual que en las cintas previas de los hermanos Safdie (esta vez Josh Safdie dirige en solitario) algunas escenas se sienten innecesarias o que se extienden más de la cuenta. De todas formas la experiencia general es muy entretenida y satisfactoria logrando una espontaneidad que se siente muy real.
El guion de Safdie y Ronald Bronstein no teme en mostrar los peores comportamientos de Marty, su egoísmo, su arrogancia y su inmadurez. De hecho la genialidad de la cinta recae en generar ambivalencia sobre lo que queremos que pase con el protagonista. Por momentos lo odiamos y queremos que fracase, por otros lo admiramos a pesar de que nos provoque rechazo y por otros demuestra desesperación y patetismo lo cual nos lleva a empatizar con él. Su carisma y energía son magnéticos y conducen la historia con un frenético ritmo hasta un climax espectacular y conmovedor.
Desde luego gran parte del éxito de Marty Supremo esta en su actor principal. Timothée Chalamet simplemente es perfecto para interpretar al determinado y auto confiado en extremo Marty Mauser. Desde su lenguaje corporal, sus diversas facetas, y su interacción con el resto del elenco Chalamet presta una interpretación formidable que traspasa la pantalla. También me gustó mucho el trabajo de Odessa A'zion como la "amiga de la infancia" Rachel que espera un hijo de Marty, Gwyneth Paltrow como Kay Stone, antigua estrella de cine que cae ante los "encantos" del joven protagonista y Kevin O'Leary como "rival moral".
En cuanto a los aspectos técnicos la cinta es fantástica. Filmada con un formato de 35mm logra una textura de grano característico de la época en la que transcurre la historia transportándonos a los años cincuenta. La edición a cargo del director y guionista es precisa, con gran manejo del ritmo pero sabiendo cuando disminuir la intensidad. ¡Y que música! La composición de Daniel Lopatin remite a la década de los ochenta con gran uso de sintetizadores modernos lo cual en un principio podría parecer anacrónico y forzado. Pero debo decir que funciona de maravilla. Tanto en si misma (voy a escucharla constantemente en YouTube) así también como complemento y elevador de las emociones de los personajes.
En definitiva Marty Supremo es una frenesí de sentimientos, anárquico y refrescante por su valentía de romper con los parámetros narrativos del cine convencional. Por momentos quizá pierda el rumbo y por otros opte por un camino más amigable. Pero en general resulta una experiencia poderosa, original y memorable que recomiendo con entusiasmo. Nunca creí que un partido de ping-pong me haría despegar de mi butaca.
Calificación: 9

La Única Opción (No Other Choice)

Sinopsis: Cuando Man-Su, trabajador de una compañía fabricante de papel, es despedido y pasa más de un año desempleado decide idear un desesperado plan para volver a su trabajo soñado y no perder todo lo que obtuvo para él y su familia.

Reseña: Sin llegar a los niveles de destreza creativa ni energía que el director Park Chan-Wook ha demostrado en el pasado, La Única Opción resulta una interesante combinación de comedia, tragedia y critica social abordando diversos temas como la deshumanización laboral, la exclusión en aras de la rentabilidad, la psicología de individuos identificados principalmente con su trabajo y la dinámica familiar en tiempos de crisis.
El guion de Park Chan-Wook y Lee Kyoung-mi (basado en la novela The Ax de Donald E. Westlake) muestra gran habilidad para que con breves pasajes entendamos rápidamente la historia de la familia protagónica y como esta fue moldeando sus personalidades y llevándolos a tomar las decisiones que veremos más adelante (algunas racionales y otras no tanto). El argumento de La Única Opción es bastante simple y no muy original pero se compensa con personajes humanos entrañables interpretados por un excelente elenco y un desarrollo poco predecible.
Desafortunadamente no pude evitar sentir la cinta redundante, planteado una y otra vez los lamentos de Man-Su y su esposa Miri y con Chan-Wook expresando las mimas ideas criticas al capitalismo durante todo el metraje pero sin proponer algo realmente estimulante, solo mostrar las inevitables injusticias y sus consecuencias dentro de este determinado sistema económico lo cual ya se siente cansado.
Aun así el débil libreto es elevado gracias a la siempre brillante dirección de este cineasta surcoreano. No solo en su impecable manejo de actores y su ágil ritmo narrativo. Su preciso uso de colores, creación de imaginativas simbologías y su maestría para representar los peores comportamientos humanos en escenas hilarantes hacen de La Única Opción una experiencia entretenida e impactante.
Resumiendo La Única Opción es una cinta menor dentro de la filmografía de Park Chan-Wook. De todas formas ofrece buenas dosis de emoción, belleza visual e interesantes ideas relevantes para el contexto económico actual. Podría haber sido más profunda y ambiciosa pero como mero entretenimiento con substancia tengo que recomendarla con confianza.
Calificación: 8

Nouvelle Vague

Sinopsis: Vivenciamos el proceso de pre-producción y filmación de la emblemática cinta À bout de souffle.

Reseña: No soy un conocedor del movimiento cinematográfico que nació en la Francia de finales de los cincuenta llamado "Nueva Ola francesa". Por esta razón no me atraía mucho una bio-pic sobre la realización de una de sus producciones más reconocidas.

Pero mi interés creció cuando supe que Richard Linklater se encargaría de la dirección de Nouvelle Vague. Linklater es uno de mis directores favoritos y considero que posee un talento único para contagiar la pasión que siente por las figuras o periodos históricos que retrata en sus películas. Creo que no lo logra del todo en esta ocasión pero aun así se trata de una experiencia simpática y profunda.

Para ser sincero los primeros treinta minutos de Nouvelle Vague me parecieron aburridos y tediosos. El guion de Holly Gent y Vincent Palmo Jr. se encarga de introducirnos en este ambiente artístico con un desfile de personajes históricos debatiendo sobre cine que tal vez funcione para sus estudiosos y admiradores pero para los ajenos se siente cansado el constante intercambio entre personajes arrogantes y pretenciosos con diálogos no muy significativos o memorables.

Por suerte Nouvelle Vague mejora mucho cuando comienza el rodaje a cargo del director Jean-Luc Godard (Guillaume Marbeck) y observamos su particular visión artística puesta en acción, contrariando las recomendaciones y objeciones de sus productores, equipo técnico y actores logrando hilarantes interacciones a la vez que reflexionamos sobre las posibilidades del cine, la importancia de innovar y correr los limites de lo convencional como también cual debe ser su función en nuestras vidas. 

Linklater logra una sencilla pero detallada recreación de Francia hace sesenta años, desde los autos, vestuarios y los equipos de filmación apelando a la nostalgia de tiempos más simples, arduos pero maravillosos a la vez donde debía compensarse las limitaciones técnicas con pasión e ingenio. El elenco completo logra actuaciones espontaneas y una gran química. No hay necesidad de duelos actorales ni desplantes histriónicos. El manejo de actores por parte de Linklater siempre es brillante, logrando momentos cálidos y humanos con una narrativa casual pero efectiva.

Nouvelle Vague es un interesante viaje en el tiempo que divierte e invita a conocer sobre la historia del séptimo arte a la vez que nos pone a pensar sobre el mismo. Pero creo que como mero entretenimiento (o como remplazo de un buen documental sobre el mismo tema) se queda un poco corta. Sin dudas será más apreciada por los amantes de esta corriente artística. Para espectadores casuales podría sentirse algo básica y desabrida. Aun así una cinta menor de Linklater me sigue pareciendo más honesta, profunda y memorable que la gran mayoría del cine moderno.

Calificación: 8

Valor Sentimental (Sentimental Value - Affeksjonsverdi)

Sinopsis: Luego del fallecimiento de su madre, la actriz teatral Nora (Renate Reinsve) recibe la visita de su distante padre, el director de cine Gustav Borg (Stellan Skarsgård), quien quiere ofrecerle un significativo papel en su siguiente película.

Reseña: ¿Otra historia sobre un padre ausente por haber priorizado su carrera artística queriendo recomponer los lazos con su familia? Un cliché que incluso vimos en la reciente Jay Kelly. Por suerte Valor Sentimental es una cinta muchísimo más ambiciosa y compleja que construye una fascinante trama familiar que involucra a varias generaciones con sus respectivos contextos sociopolíticos, incluye un análisis brillante sobre la industria del cine actual y nos habla sobre el trauma en adultos ocasionado por el desapego parental. Todos estos elementos profundizan el libreto del director Joachim Trier y Eskil Vogt el cual en su forma más básica trata sobre un padre queriendo reconectar con sus hijas a través del arte, en este caso una película sobre sus propias vidas. ¿O solo esta interesado en volver a ser relevante como cineasta y necesita de su hija actriz para lograrlo?.
Además de su inteligente trasfondo y su gran impacto emocional el guion no teme en dejar varias cosas a nuestra imaginación. La narrativa es clara y lineal pero repleta de subtexto, con escenas que se vuelven demoledoras y cruciales sin necesidad de diálogos o explicaciones triviales. Tan solo con miradas, gestos o una sola frase podemos entender todo lo que están viviendo los personajes, lo que añoran y lo que sufren.
La dirección de Joachim Trier me pareció soberbia, con un tono parsimonioso apropiado para sumergirnos en la dinámica de la familia de muchos años y compenetrarnos con los protagonistas y empatizar con ellos en sus momentos de debilidad, desesperación e incluso egoísmo. El drama nunca tiene necesidad de exagerarse con tragedia o llantos a los gritos. Con ayuda de bellos parlamentos de la narradora en breves momentos y el excelente desempeño del elenco entero, las piezas van armándose satisfactoriamente dando forma a una verdadera obra de arte que cierra los arcos narrativos de los protagonistas de una forma precisa y metafóricamente genial. Aun así no pude evitar sentir la conclusión algo conveniente y repentina. Quizás esperaba algo más contundente y sustancioso en lo que respecta al mensaje y espíritu de la historia que se nos contó. No entraré en terreno de spoilers y aclaro que quedé muy satisfecho con la experiencia general pero hubiese preferido un cierre menos "feel good".
Como dije, gran parte del éxito de Valor Sentimental recae en los interpretes. Stellan Skarsgård logra sin problemas humanizar al egoísta y manipulador director de cine con una sutil actuación que denota nostalgia, arrepentimiento y frustración. Inga Ibsdotter Lilleaas como Agnes, la hija que no se dedicó a la actuación y formó una familia, tiene un papel a primera vista menos lucidor pues parece ajena al conflicto familiar y que superó su infancia con un padre ausente. Pero su rol se vuelve mucho más relevante a medida que avanza su historia con escenas conmovedoras las cuales Lilleaas maneja con precisión y gran destreza. Elle Fanning como la actriz norteamericana Rachel Kemp también brilla brindando una actuación emotiva que debe afrontar contradictorios sentimientos ya que desea trabajar con un director que admira pero que cree no ser la apropiada para el papel. Finalmente Renate Reinsve es sin duda la mejor de todo el ensamble con un trabajo impresionante, detallado y versátil, manejando con total destreza tanto situaciones cómicas como también dramáticas en las que afloran las diversas capas que cubren emocionalmente a su personaje. Una de mis actuaciones favoritas del 2025.
En cuanto a los aspectos técnicos la cinta también es notable. La edición de Olivier Bugge Coutter, la música de Hania Rani, y la fotografía de Kasper Tuxen me parecieron sobrios y apropiados como complementos de la historia y para aumentar su resonancia emocional. El director Joachim Trier hace perfecto uso de estas herramientas cinematográficas, como también de solidos diseño de producción y dirección de arte, para recrear épocas antiguas y el paso del tiempo, con interesantes encuadres y planos significativos.
Resumiendo, Valor Sentimental es un fenomenal drama que llega al corazón sin necesidad de manipulación desvergonzada o afectaciones trilladas. Lo logra por medio de una bien pensada trama de gran profundidad temática, destreza narrativa y personajes realistas e intrigantes que conducen esta historia sobre el arte y su poder sobre las relaciones humanas (ya sea para sanarlas o destruirlas). La recomiendo con confianza advirtiendo que su lento ritmo y su moderado tono podría cansar a quienes busquen mayor estridencia y revelaciones impactantes. Valor Sentimental prefiere algo mucho más cerebral y al mismo tiempo logra algo más sentimental, justamente.
Calificación: 9

La Noche del Espantapájaros (Die'ced: Reloaded)

Sinopsis: En la noche de Halloween un trastornado asesino escapa del hospital psiquiátrico que lo tenia retenido y se dirige a matar personas en la ciudad de Seattle.

Reseña: No se porque perdí ochenta minutos de mi vida viendo La Noche del Espantapájaros. Se ve a kilómetros que se trata de una barata y mediocre cinta de slasher que solo busca copiar lo que obras mucho más ingeniosas y enérgicas han logrado en los últimos años. La obvia comparación es la saga de Terrifier con su estética ochentera y su villano mudo a la vez muy expresivo y desde luego un enorme sadismo para con sus victimas, pero también roba desvergonzadamente elementos de otros clásicos del género como Halloween y Friday the 13th. 
De todas formas lo peor no es su falta de originalidad sino la completa incompetencia del director/escritor Jeremy Rudd para contar una historia lineal que tenga sentido o para crear personajes consistentes que no parezcan actores inexpertos recitando los terribles diálogos que el libreto les endilga. La cinta avanza a empujones con cosas que pasan porque sí, meramente conectadas, alguna que otra escena de tortura o violenta muerte con un "gore" patéticamente falso y risible y actuaciones ridículas. Creo que si alguien sufre una amputación de su brazo o le son introducidos crayones por varios de sus orificios faciales debería expresar mayor molestia que la que causa un resfriado. 
Los personajes no tienen nada que los distinga, su desarrollo o características son la nada misma y el giro final que revela una conexión entre la "final girl" y el asesino no sorprende a nadie porque prácticamente nadie estará despierto para ese momento.
Tal vez parezca absurdo que sea tan duro con una cinta de terror de bajo presupuesto pero me indigna que que productos tan malos como este tengan oportunidad en los cines de mi país a la vez que fomenta el desprestigio de este género realizado de forma independiente. No se necesitan millones de dólares ni actores de primer nivel para hacer algo entretenido y memorable sino simplemente pasión y talento más que mero oportunismo.
Calificación: 2

La Empleada (The Housemaid)

 

Sinopsis: La joven Millie (Sydney Sweeney) es contratada por una acaudalada familia como empleada de su mansión. La oportunidad parece ideal hasta que la esposa y madre Nina (Amanda Seyfried) comienza a comportarse de una manera inquietante y violenta.

Reseña: No leí la novela en la que La Empleada esta basada así que no opinaré de ella como adaptación sino simplemente como película. En ese caso debo decir que su primera mitad es sumamente mediocre, tanto por su predecible trama como también por la dirección de Paul Feig carente de estilo y energía. Feig ha realizado notables trabajos en comedia (tanto en cine como en televisión) pero en su primer largometraje "serio" queda demostrado que su impronta para este tipo de relatos es nula y por lo tanto no puede elevar los componentes tan trillados del libreto. Así tenemos una vez más una historia sobre una mujer joven y hermosa que empieza a trabajar para un matrimonio con sus problemas y resentimientos particulares y como comienza la rivalidad entre las mujeres por el mismo hombre.
Por suerte el guion compensa esta falta de originalidad general con pequeños desviamientos que juegan con nuestras expectativas descubriendo poco a poco los secretos que el trio protagónico oculta tanto de lo que vivieron en sus respectivos pasados como también las motivaciones que podrían tener. Además el giro en el segundo acto me pareció genuinamente inesperado y efectivo, logrando mayor profundidad contemplando temas que van desde la lucha de clases hasta la los roles de género. 
Pero bueno, tampoco se trata de American Beauty. La Empleada sigue siendo un thriller poco novedoso y que olvidaré en unos días pero esta bien actuado, tiene un ritmo apropiado y los últimos 40 minutos sin duda resultan muy intensos y angustiantes. Y esto se debe porque a pesar de la cansada trama los personajes resultan más complejos e interesantes de lo que sugieren al principio y el mencionado "plot-twist" los explota al máximo enfrentándolos y mostrando su verdadera cara.
Hablando del elenco, Sydney Sweeney y Brandon Sklenar son bastante blandos y meramente funcionales durante la primera mitad de La Empleada. Cumplen con los requerimientos de la trama y nada mas. Sumado a esto la presencia de Amanda Seyfried como la inestable Nina los opaca totalmente desbordando energía y crispando nuestros nervios. Pero bueno, tanto Sweeney como Sklenar tienen sus momentos para brillar y lo hacen bien, pero Seyfried sin dudas fue mi favorita.
Creo que la experiencia general de La Empleada es simple y poco trascendente por lo que tampoco tengo mucho para escribir sobre ella. Se trata de otro predecible "thriller romántico" al menos hasta que toma un camino inesperado para entregar algo mucho más entretenido, ingenioso y profundo culturalmente (y en ocasiones perturbador) pero tampoco demasiado. Puedo recomendarla tibiamente para quienes quieran pasar un rato meramente entretenido sin exigir originalidad o material para reflexionar. Yo hubiese preferido ver nuevamente A Simple Favor (o su secuela) donde Paul Feig seguía haciendo comedia pero combinándola diestramente con el thriller y el misterio. Pero para ser justos La Empleada fue decente como primer intento lejos del humor. El tiempo dirá si logra mejorar en esta faceta.
Calificación: 7.5