Proyecto Fin del Mundo (Project Hail Mary)

Sinopsis: El profesor de ciencias y ex biólogo Ryland Grace (Ryan Gosling) despierta con amnesia en una nave espacial muy lejos de la tierra y comienza a recordar su propósito crucial para la supervivencia de la especie humana.

Reseña: Fue imposible no tener expectativas muy elevadas antes de entrar a ver Proyecto Fin del Mundo debido al equipo creativo detrás de su realización. El guion es una adaptación del best-seller Proyect Hail Mary escrito por Andy Weir, autor además de la novela The Martian. Y el encargado de adaptar la historia al cine fue el guionista Drew Goddard quien no solo también se encargo del libreto cinematográfico de The Martian (dirigida por Ridley Scott) sino que ha sido responsable de numerosos trabajos en cine y televisión que he disfrutado muchísimo (desde Cloverfield, The Cabin in the Woods y la serie de Netflix Daredevil). Y los directores de Proyecto Fin del Mundo son el dúo Phil Lord y Christopher Miller responsables de la hilarante 21 Jump Street (y su secuela) y las fantásticas cintas animadas Spider-Man: Into the Spider-Verse y Spider-Man: Across the Spider-Verse (¡ya no puedo esperar la tercera parte!). El combo parecía ideal. Talento detrás de las cámaras para entregarnos una obra de ciencia ficción inteligente, profunda y reflexiva sin descuidar el factor emocional y el humor. Y creo que ese fue el resultado final pero tengo algunas reservas sobre el tamaño de las porciones.
Empezando por lo positivo diré que encontré fascinante la amenaza que enfrenta el planeta en la forma de unos organismos llamados astrofagos que se alimentan de la energía del Sol apagándolo y haciendo inevitable la glaciación de la tierra. A su vez los conceptos científicos utilizados para entender su dinámica y comportamiento y la investigación del protagonista es accesible pero a su vez estimulante sin necesidad de condescendencia con el público. Y me pareció brillante la representación de los gobiernos del mundo trabajando juntos en búsqueda de una solución inmediata, tan burocrática y estéril como cualquier otra cuestión diplomática. Lord y Miller manejan un tono sutil y melancólico alivianado por el humor del protagonista sin perder la seriedad del asunto. Todo esto lo vemos a través de flashbacks de recuerdos que tiene Grace (nunca queda claro si son momentos que poco a poco vuelve a recordar) los cuales en el primer acto me parecieron mucho más interesantes que su estadía en la nave. Y cuando aparece un inesperado aliado la cinta pasa de ser una combinación de Interstellar y The Martian a algo más amable y optimista... podría decirse "Spielbergiano".
Probablemente sea problema mío y no de la cinta. Por mis propias preferencias personales y subjetivas me hubiese gustado que la historia recorriera un camino mucho más "cerebral", enfocado en la ciencia o en aspectos filosóficos que analicen la naturaleza humana y su instinto de supervivencia o en los conflictos políticos en épocas de crisis/catástrofes pero en vez de eso opta por un desarrollo más ameno y accesible donde los temas principales son la cooperación, la solidaridad y la amistad, con amplias dosis de "cuteness" que en algunos momentos me empalagaron. Aun así tengo que reconocer que aceptando el tono y estructura más comercial que escogieron Lord, Miller y Goddard Proyecto Fin del Mundo es una fantástica película de aventura espacial que logra momentos altamente emotivos, y que nos compenetremos intensamente con la historia y los personajes. El diseño de producción me pareció impecable, tanto en su creatividad como en su atención al detalle ya sea en cuanto a la tecnología alienígena como en la confección y comportamiento de "Rocky" quien sin necesidad de un rostro "humano" maneja un rango emocional complejo y palpable a quien entendemos totalmente lo que expresa y siente. Ni hablar de las hermosas imágenes creadas digitalmente como la linea Petrova o el planeta Tau Ceti.
Pasando al reducido elenco, Ryan Gosling es un solido protagonista que logra simpatía sin necesidad de volverse un bufón y gran humanidad y empatía con presencia suficiente para cargar solo con la cinta. Bueno, con ayuda del simpático Rocky con quien Gosling genera una complicidad que conecta fácilmente con nosotros, creíble y palpable. También me gustó mucho el trabajo de la gran Sandra Huller como la reclutadora Eva Stratt, un papel reducido pero importante dentro de la parábola moral detrás de Proyecto Fin del Mundo, lidiando con sus sentimientos en un entorno que exige fría racionalidad.
Resumiendo Proyecto Fin del Mundo es una entretenida, simpática y conmovedora historia con inteligentes elementos de ciencia ficción pero que quedan algo relegados para priorizar su lado más sentimental y "feel good". Aun así lo hace muy bien, con excelentes actuaciones, vistosos efectos especiales y gran talento narrativo que sabe provocarnos fuertes emociones sin necesidad de manipulación y trucos mediocres. No la pondría al nivel de "prestigiosas" obras Sci-Fi en lo que va de este siglo como Interstellar, Gravity o Arrival pero valoro su intención de acompañar su amigable trama con ideas y conceptos muy interesantes.
Calificación: 8.5

Hamnet

Sinopsis: Will (Paul Mescal) un profesor de latín que trabaja para pagar las deudas de su familia se enamora de Agnes (Jessie Buckley) y comienzan una relación a pesar de que ambas familias no estén de acuerdo.

Reseña: No negaré el ingenio detrás de la historia de Hamnet, desde su composición con elementos provenientes de diversas obras de William Shakespeare, pasando por su sutil y envolvente fusión de ficción, historia y misticismo y su poderosa representación del teatro como más que mero entretenimiento o escape del dolor sino como una fuerza épica y a la vez intima capaz de cambiar vidas y de la inmortalización. Creo que el problema no es todo lo que se desprende de la historia sino la historia en si misma, la cual no considero mala pero tampoco logró cautivarme demasiado. Pero vayamos por partes.
El libreto de Chloe Zhao y Maggie O'Farrell (basado en la novela Hamnet escrita por la misma O'Farrell) tiene como protagonista a Agnes, su conexión profunda con la naturaleza, sus aparentes habilidades para leer el futuro de los demás y su rechazo a las creencias de su al rededor son fundamentales para entender como su relación con quien seria uno de los escritores más importantes de la historia influyó en la creación de sus celebradas obras... principalmente Hamlet. Pero lo que mejor funciona es lo que no nos muestra, como la evolución de Will en sus viajes a Londres. Zhao y O'Farrell tienen confianza en su público para añadir piezas en su rompecabezas dramático y metafórico sin necesidad de explicaciones obvias.
La historia se toma su tiempo para avanzar lo cual funciona mejor para compenetrarnos con los personajes y que nos resulte más significativo su incipiente amor y los lazos familiares con sus hijos. La dirección de Zhao es delicada y a la vez detallista logrando transportarnos a la sencillez y también los riesgos de la vida en el siglo XVI. También me pareció notable su disciplina para los momentos trágicos contados desde la sensibilidad de Agnes que deja a un lado la lógica pura para permitir un entendimiento más espiritual.
Desde luego el elenco hace un trabajo fenomenal. Todas las miradas están puestas en la actuación de Jessie Buckley como Agnes y lo entiendo. Su trabajo es desgarrador y a la vez cálido y preciso manejando una amplia gama de emociones y una enigmática personalidad a la vez accesible. Pero el resto también me pareció brillante. Paul Mescal transmite la impotencia e inquietudes de un genio creativo, profundamente sensible pero con dificultades para expresarse en un ambiente no propicio. Las actuaciones infantiles me parecieron más que destacables. Jacobi Jupe, Olivia Lynes y Bodhi Rae Breathnach como los hijos de Agnes y Will son conmovedores, evocando la inocencia de su edad pero a la vez una madurez y entendimiento de la vida gracias a las enseñanzas de sus padres que se sienten creíbles logrando escenas poderosas.
Habiendo dicho tantos halagos tengo que volver a mi señalamiento inicial. La historia de Hamnet esta construida de una forma brillante para transmitir su poderoso mensaje pero no pude evitar sentir que en su fondo es una simple historia de romance y drama que ya hemos visto muchas veces. El amor que debe luchar contra el rechazo de los demás, la inicial felicidad de la familia, el desgaste de la rutina, la tragedia inevitable, la aceptación y/o superación final (tal vez). Y tampoco pude evitar sentir un poco de manipulación emocional forzada por parte de la directora principalmente en el tercer acto. No negaré que se trata de una notable secuencia artística profunda y emotiva pero a su vez siento que rompe un poco con la sutileza del resto de la cinta.
A fin de cuentas son mucho más las cosas positivas que las negativas por lo que tengo que recomendar Hamnet por sus actuaciones, ingenio narrativo y la dirección así como quienes busquen una historia emotiva que sirva como un retrato de la belleza en el teatro (o toda forma de arte), su enorme significado y poder sobre nosotros. Y si bien por momentos se siente algo artificial el resultado final es memorable y potente. Pero sí, Sentimental Value lo hizo mejor.
Calificación: 8

El Vengador Toxico (The Toxic Avenger)

Sinopsis: El humilde conserje Winston Gooze (Peter Dinklage) sufre un accidente con desechos radiactivos que lo vuelven un mutante deforme con superpoderes lo cual aprovechará para vengarse de la compañía para la que trabaja que le negó un tratamiento para salvar su vida.

Reseña: Esa breve sinopsis apenas cubre un 30% de la trama de El Vengador Toxico. No porque se trate de una historia compleja e impenetrable sino porque el libreto de Macon Blair nos inunda con personajes y subtramas absurdas y de caricatura para buscar nuestras risas incrédulas y no aburrirnos. Quienes estén familiarizados con el producto de la emblemática Troma Films (y la original The Toxic Avenger de 1984) sabrán que esperar de este reboot. Una "B-Movie" que no teme escandalizar con excesivo "gore" y escatológico humor a la vez que no descuida el drama y la construcción de sus personajes (bueno, considerablemente hablando). No es una cinta para tomar en serio sino para divertirse y creo que esta nueva versión lo logra aunque no tanto como esperaba.
Como dije antes, el guion de Macon Blair (también director de la cinta) integra tantos personajes y subtramas como le es posible tan solo como excusa para rutinas cómicas e incrementar la violencia exagerada. Por un lado tenemos la historia del conserje Winston que debe sobrellevar la perdida de su pareja y la poca cercanía con su hijastro que quedó a su cargo, a su vez se entera de una enfermedad que lo matará en menos de un año. Y la responsable podría ser la empresa para la que trabaja, dirigida por el arrogante Bob Garbinger (Kevin Bacon) acusada de contaminar el agua y el aire del pueblo. La joven J.J. Doherty (Taylour Paige) perseguida por los secuaces de Garbinger ya que tiene información comprometedora y busca vengar a su mamá y su hermana. Thad Barkabus como un poderoso mafioso que ayudo a Garbinger a construir su empresa y ahora lo presiona para que solucione estos problemas...seria absurdo mencionar a todos. El Vengador Toxico es un desfile de delirio y bizarría con una endeble conexión narrativa. Pero se trata de una cinta producida por Troma Films así que seria ridículo quejarme por eso. Creo que mi problema fue que no la sentí "genuina". Las cintas de los ochenta y noventa eran caóticas y baratas producciones que compensaban estos defectos con desbordante energía e irreverencia. Esta nueva versión se siente calculada, como un homenaje apropiado que no escatima en excesos pero que no se siente espontaneo ni innovador. Tal vez hacia falta un director con más impronta y personalidad para agregar a lo que termina siendo solo una recreación del cine-B (o Z) sin dudas entretenida y graciosa pero no muy ingeniosa.
Tengo que admirar al elenco compuesto de prestigiosos actores dando lo mejor de si, entregando actuaciones serias en los momentos más inapropiados y adaptándose a la perfección al tono de la película. Pete Dinklage es un solido protagonista, simpático y creíble, Jacob Tremblay (como ha crecido desde Room) eleva su trillado y simple papel, Kevin Bacon como acostumbra es un villano ególatra y vanidoso brillante, Elihah Wood irreconocible como su raro y sometido hermano. Todos ofrecen risas y extravagancia entreteniéndonos a pesar de que la historia no tenga pies ni cabeza.
Resumiendo El Vengador Toxico ofrece lo que esperamos: abundante sangre, chistes soeces y comentario social para simular algún sentido. Y si bien no pude evitar cierta artificialidad en esta nueva producción (o tal vez me estoy poniendo viejo) tengo que recomendarla para quienes quieran divertirse un rato sin culpa y disfrutar de un homenaje nostálgico a un tipo de cine repudiado por muchos pero que a algunos supo hacernos muy felices. 
Calificación: 7.5

¡Ayuda! (Send Help)

Sinopsis: La empleada de "Planificación y Estrategia" Linda Liddle (Rachel McAdams) sufre una gran decepción cuando un importante ascenso en la compañía le es negado por el sucesor del director difunto quien resulta ser su arrogante hijo Bradley Preston (Dylan O'Brien). Pero las cosas cambian cuando en un viaje en avión este sufre un accidente y ambos quedan varados en una isla perdida en el golfo de Tailandia.

Reseña: Para disfrutar plenamente de ¡Ayuda! vale advertir que no esperen al Sam Raimi de la trilogía de Evil Dead (o de la serie Ash vs Evil Dead) con sus excesos viscerales, demencial tono y sardónico humor sino que encontraran a un Raimi más ligero y accesible como el que vimos en Drag Me To Hell. No necesariamente es algo negativo. ¡Ayuda! cuenta una historia interesante e ingeniosa en su desarrollo y logra momentos impactantes como también otros hilarantes pero al final queda la sensación de que pudo ser mucho más.
Para empezar ni siquiera calificaría a ¡Ayuda! como terror. Es más bien una diestra combinación de thriller y comedia negra con buen manejo del drama y el suspenso (aunque renegué de la tibia clasificación PG-13). El guion de Damian Shannon y Mark Swift se compone de elementos que parecen sacados de otras películas como Cast Away, Swept Away, Hard Candy y Misery pero que se sienten apropiados para una estructura narrativa precisa e impredecible. Creo que lo que mejor funciona es la interacción entre los protagonistas y como su dinámica se va torciendo alterando nuestras expectativas. Al principio Linda es despreciada y subestimada por el antipático nuevo jefe Bradley pero en medio de una isla desierta Linda es la que toma el control (no solo por la herida en la pierna de Bradley sino porque es una fanática del programa Survivor y posee una enorme conocimiento sobre supervivencia). Pero esto no va por el camino fácil de "polos opuestos que se atraen" o de "incompatibilidad que deviene en violencia" sino por algo mucho más inesperado cuando conocemos en profundidad a ambos protagonistas con decisiones que nos hacen dudar de su sanidad mental y del lado de quien debemos estar. Al mismo tiempo algunas acciones que toman son entendibles a pesar de ser terribles. Como sea ese perverso juego de "realmente no hay buenos y malos" logra que la trama sea tan atrapante y emocionante hasta el maniático y satisfactorio final.
La dirección de Sam Raimi como es habitual resulta excelente, más sutil a lo que nos tiene acostumbrados pero con gran manejo audiovisual para orquestar escenas de gran intensidad o acción con efectos a veces buenos (el accidente de avión) y otras pobres (el jabalí) y para hacer uso de su habitual humor bizarro cuando es apropiado ya sea para resaltar una idea o simplemente para aligerar la angustia. En cuanto a los aspectos técnicos la cinta resulta poco destacable, ya sea la fotografía, la música y el diseño de producción.
Pasando al reducido elenco, Rachel McAdams al principio se siente inapropiada para interpretar a la atolondrada e inepta social Linda pero no se puede negar que su caracterización es brillante, natural y creíble tanto en los momentos dramáticos como en los de destreza física. Por su parte Dylan O'brien logra evitar la caricaturización del típico idiota inútil que nunca necesitó esforzarse en nada logrando humanizar a Bradley, con buen manejo de humor, drama y también amenaza (ya sea por egoísmo, venganza o por propia supervivencia).
Resumiendo ¡Ayuda! es una experiencia muy entretenida e impredecible que nos hace reír e impactarnos con su bien construido guion y la ágil dirección de Raimi. Creo que se queda corta en cuanto al nivel de perversión y violencia que pudo elevarla a la altura de "joya" (la "confrontación" final muestra el potencial desperdiciado) terminando en una cinta bien hecha pero no muy memorable. Aun así puedo recomendarla con confianza para pasar un buen rato si no se tienen expectativas demasiado elevadas. Traducción: no esperen algo como Evil Dead.
Calificación: 8.5

Sirat: Trance En El Desierto (Sirât)

Sinopsis: Un hombre y su pequeño hijo se adentran en el mundo de las "raves" en los desiertos de Marruecos para encontrar a su hija desaparecida hace seis meses.

Reseña: Me gustan las películas que se "cocinan a fuego lento", las que no necesitan de constante estimulación ni subestimarnos con explicaciones y formas burdas u obvias. Disfruto de una minuciosa construcción de atmosfera que nos haga sentir inmersos en la realidad que retrata, en las vivencias de los personajes y que nos invite a sacar nuestras propias conclusiones basadas en nuestras propias visiones del mundo. Lamentablemente en el caso de Sirat: Trance en el Desierto (hablando de ser obvio y burdo gracias por el subtitulo a los genios traductores) creo que la atmosfera termina reemplazando el contenido (tanto emocional como el de las ideas) y si bien tiene muchos aspectos valorables la experiencia global me dejo algo frio y poco entusiasmado.
Para empezar  el ritmo de la cinta se siente lento y poco dinámico, con largas escenas que solo muestran a los personajes bailando al ritmo de la música electrónica bajo el consumo de sustancias alucinógenas. Claro es un establecimiento de la mencionada atmosfera pero el sustento parece escaso y nunca se genera un interés considerable en el grupo de individuos que seguimos. Tan solo un retrato de una realidad de marginados sociales, de las injusticias que ocurren en el mundo a manos de gobiernos y del escape que se busca por medio de drogas y música. Nada muy novedoso ni profundo.
Vuelvo a repetir que no me molesta el tono parsimonioso, los reducidos diálogos ni el amplio uso de metáforas para contar la historia. Mi problema se debe a que dicha historia y mensaje en el caso de Sirat: Trance en el Desierto no me generaron las emociones o compenetración suficientes para disfrutar la experiencia de manera significativa.
Pasando a lo bueno hay que recalcar los aspectos técnicos: desde el diseño de sonido, las potentes locaciones, y los bien construidos planos la cinta logra transportarnos a los agresivos desiertos marroquíes con gran efectividad. El elenco logra actuaciones naturales y palpables muy creíbles en los momentos más dramáticos de la trama. También aprecié la sutileza del guion de Santiago Fillol y Oliver Laxe como también la dirección de Laxe tanto en sus comentarios políticos como en el impacto de estos elementos en la historia. Tanto sobre la actual crisis global que amenaza con una tercera guerra mundial o los conflictos limítrofes y migratorios Sirat: Trance en el Desierto los incorpora de manera orgánica y apropiada y no como un panfleto partidario.
Entonces recomiendo Sirat: Trance en el Desierto con reservas. Podría tener un efecto positivo mucho mayor en otros espectadores a pesar de que en mi caso no logré conectar del todo con los personajes. Sus numerosos aspectos técnicos y artísticos, el trabajo de su elenco y la mesura narrativa que maneja son motivo suficiente para verla y descansar un poco del estridente e hiperestimulante cine convencional. En este caso hablamos de cine de "arte" aunque esto no significa que sea del todo satisfactorio. Tal vez con menos música techno la habría disfrutado más.
Calificación: 7

Marty Supremo (Marty Supreme)

 

Sinopsis: Marty Mauser (Timothée Chalamet) asegura ser el mejor jugador de tenis de mesa del mundo pero su imprudencia y soberbia podrían condenarlo al fracaso.

Reseña: Marty Supremo hace lo que todo biopic debe hacer. No se interesa tanto en recrear detalladamente una serie de momentos importantes en la vida de la figura en la que se basa (de hecho su veracidad histórica es nula) sino en contar su propia historia a partir de su espíritu y personalidad. 
Dicha historia es muy simple, una mera excusa para desatar una caótica e impredecible cadena de eventos que mezclan la comedia, el drama, la tragedia, el thriller y el deporte pero que logra que esta amalgama sea apropiada y totalmente lógica debido al comportamiento de Marty: arrogante, impulsivo y a la vez enormemente ambicioso y talentoso (ya sea para el tenis de mesa o para manipular personas a su antojo).
Pensándolo bien la estructura narrativa de Marty Supremo recuerda a los proyectos anteriores del director Josh Safdie junto a su hermano Benny (Good Times y Uncut Gems) con situaciones surrealistas que empeoran cada vez más debido a la negligencia del protagonista. En este caso el tono de la película es mucho más ameno y motivacional pero eso no quita que haya momentos realmente crudos y de gran tensión. Por el lado negativo, al igual que en las cintas previas de los hermanos Safdie (esta vez Josh Safdie dirige en solitario) algunas escenas se sienten innecesarias o que se extienden más de la cuenta. De todas formas la experiencia general es muy entretenida y satisfactoria logrando una espontaneidad que se siente muy real.
El guion de Safdie y Ronald Bronstein no teme en mostrar los peores comportamientos de Marty, su egoísmo, su arrogancia y su inmadurez. De hecho la genialidad de la cinta recae en generar ambivalencia sobre lo que queremos que pase con el protagonista. Por momentos lo odiamos y queremos que fracase, por otros lo admiramos a pesar de que nos provoque rechazo y por otros demuestra desesperación y patetismo lo cual nos lleva a empatizar con él. Su carisma y energía son magnéticos y conducen la historia con un frenético ritmo hasta un climax espectacular y conmovedor.
Desde luego gran parte del éxito de Marty Supremo esta en su actor principal. Timothée Chalamet simplemente es perfecto para interpretar al determinado y auto confiado en extremo Marty Mauser. Desde su lenguaje corporal, sus diversas facetas, y su interacción con el resto del elenco Chalamet presta una interpretación formidable que traspasa la pantalla. También me gustó mucho el trabajo de Odessa A'zion como la "amiga de la infancia" Rachel que espera un hijo de Marty, Gwyneth Paltrow como Kay Stone, antigua estrella de cine que cae ante los "encantos" del joven protagonista y Kevin O'Leary como "rival moral".
En cuanto a los aspectos técnicos la cinta es fantástica. Filmada con un formato de 35mm logra una textura de grano característico de la época en la que transcurre la historia transportándonos a los años cincuenta. La edición a cargo del director y guionista es precisa, con gran manejo del ritmo pero sabiendo cuando disminuir la intensidad. ¡Y que música! La composición de Daniel Lopatin remite a la década de los ochenta con gran uso de sintetizadores modernos lo cual en un principio podría parecer anacrónico y forzado. Pero debo decir que funciona de maravilla. Tanto en si misma (voy a escucharla constantemente en YouTube) así también como complemento y elevador de las emociones de los personajes.
En definitiva Marty Supremo es una frenesí de sentimientos, anárquico y refrescante por su valentía de romper con los parámetros narrativos del cine convencional. Por momentos quizá pierda el rumbo y por otros opte por un camino más amigable. Pero en general resulta una experiencia poderosa, original y memorable que recomiendo con entusiasmo. Nunca creí que un partido de ping-pong me haría despegar de mi butaca.
Calificación: 9

La Única Opción (No Other Choice)

Sinopsis: Cuando Man-Su, trabajador de una compañía fabricante de papel, es despedido y pasa más de un año desempleado decide idear un desesperado plan para volver a su trabajo soñado y no perder todo lo que obtuvo para él y su familia.

Reseña: Sin llegar a los niveles de destreza creativa ni energía que el director Park Chan-Wook ha demostrado en el pasado, La Única Opción resulta una interesante combinación de comedia, tragedia y critica social abordando diversos temas como la deshumanización laboral, la exclusión en aras de la rentabilidad, la psicología de individuos identificados principalmente con su trabajo y la dinámica familiar en tiempos de crisis.
El guion de Park Chan-Wook y Lee Kyoung-mi (basado en la novela The Ax de Donald E. Westlake) muestra gran habilidad para que con breves pasajes entendamos rápidamente la historia de la familia protagónica y como esta fue moldeando sus personalidades y llevándolos a tomar las decisiones que veremos más adelante (algunas racionales y otras no tanto). El argumento de La Única Opción es bastante simple y no muy original pero se compensa con personajes humanos entrañables interpretados por un excelente elenco y un desarrollo poco predecible.
Desafortunadamente no pude evitar sentir la cinta redundante, planteado una y otra vez los lamentos de Man-Su y su esposa Miri y con Chan-Wook expresando las mimas ideas criticas al capitalismo durante todo el metraje pero sin proponer algo realmente estimulante, solo mostrar las inevitables injusticias y sus consecuencias dentro de este determinado sistema económico lo cual ya se siente cansado.
Aun así el débil libreto es elevado gracias a la siempre brillante dirección de este cineasta surcoreano. No solo en su impecable manejo de actores y su ágil ritmo narrativo. Su preciso uso de colores, creación de imaginativas simbologías y su maestría para representar los peores comportamientos humanos en escenas hilarantes hacen de La Única Opción una experiencia entretenida e impactante.
Resumiendo La Única Opción es una cinta menor dentro de la filmografía de Park Chan-Wook. De todas formas ofrece buenas dosis de emoción, belleza visual e interesantes ideas relevantes para el contexto económico actual. Podría haber sido más profunda y ambiciosa pero como mero entretenimiento con substancia tengo que recomendarla con confianza.
Calificación: 8

Nouvelle Vague

Sinopsis: Vivenciamos el proceso de pre-producción y filmación de la emblemática cinta À bout de souffle.

Reseña: No soy un conocedor del movimiento cinematográfico que nació en la Francia de finales de los cincuenta llamado "Nueva Ola francesa". Por esta razón no me atraía mucho una bio-pic sobre la realización de una de sus producciones más reconocidas.

Pero mi interés creció cuando supe que Richard Linklater se encargaría de la dirección de Nouvelle Vague. Linklater es uno de mis directores favoritos y considero que posee un talento único para contagiar la pasión que siente por las figuras o periodos históricos que retrata en sus películas. Creo que no lo logra del todo en esta ocasión pero aun así se trata de una experiencia simpática y profunda.

Para ser sincero los primeros treinta minutos de Nouvelle Vague me parecieron aburridos y tediosos. El guion de Holly Gent y Vincent Palmo Jr. se encarga de introducirnos en este ambiente artístico con un desfile de personajes históricos debatiendo sobre cine que tal vez funcione para sus estudiosos y admiradores pero para los ajenos se siente cansado el constante intercambio entre personajes arrogantes y pretenciosos con diálogos no muy significativos o memorables.

Por suerte Nouvelle Vague mejora mucho cuando comienza el rodaje a cargo del director Jean-Luc Godard (Guillaume Marbeck) y observamos su particular visión artística puesta en acción, contrariando las recomendaciones y objeciones de sus productores, equipo técnico y actores logrando hilarantes interacciones a la vez que reflexionamos sobre las posibilidades del cine, la importancia de innovar y correr los limites de lo convencional como también cual debe ser su función en nuestras vidas. 

Linklater logra una sencilla pero detallada recreación de Francia hace sesenta años, desde los autos, vestuarios y los equipos de filmación apelando a la nostalgia de tiempos más simples, arduos pero maravillosos a la vez donde debía compensarse las limitaciones técnicas con pasión e ingenio. El elenco completo logra actuaciones espontaneas y una gran química. No hay necesidad de duelos actorales ni desplantes histriónicos. El manejo de actores por parte de Linklater siempre es brillante, logrando momentos cálidos y humanos con una narrativa casual pero efectiva.

Nouvelle Vague es un interesante viaje en el tiempo que divierte e invita a conocer sobre la historia del séptimo arte a la vez que nos pone a pensar sobre el mismo. Pero creo que como mero entretenimiento (o como remplazo de un buen documental sobre el mismo tema) se queda un poco corta. Sin dudas será más apreciada por los amantes de esta corriente artística. Para espectadores casuales podría sentirse algo básica y desabrida. Aun así una cinta menor de Linklater me sigue pareciendo más honesta, profunda y memorable que la gran mayoría del cine moderno.

Calificación: 8

Valor Sentimental (Sentimental Value - Affeksjonsverdi)

Sinopsis: Luego del fallecimiento de su madre, la actriz teatral Nora (Renate Reinsve) recibe la visita de su distante padre, el director de cine Gustav Borg (Stellan Skarsgård), quien quiere ofrecerle un significativo papel en su siguiente película.

Reseña: ¿Otra historia sobre un padre ausente por haber priorizado su carrera artística queriendo recomponer los lazos con su familia? Un cliché que incluso vimos en la reciente Jay Kelly. Por suerte Valor Sentimental es una cinta muchísimo más ambiciosa y compleja que construye una fascinante trama familiar que involucra a varias generaciones con sus respectivos contextos sociopolíticos, incluye un análisis brillante sobre la industria del cine actual y nos habla sobre el trauma en adultos ocasionado por el desapego parental. Todos estos elementos profundizan el libreto del director Joachim Trier y Eskil Vogt el cual en su forma más básica trata sobre un padre queriendo reconectar con sus hijas a través del arte, en este caso una película sobre sus propias vidas. ¿O solo esta interesado en volver a ser relevante como cineasta y necesita de su hija actriz para lograrlo?.
Además de su inteligente trasfondo y su gran impacto emocional el guion no teme en dejar varias cosas a nuestra imaginación. La narrativa es clara y lineal pero repleta de subtexto, con escenas que se vuelven demoledoras y cruciales sin necesidad de diálogos o explicaciones triviales. Tan solo con miradas, gestos o una sola frase podemos entender todo lo que están viviendo los personajes, lo que añoran y lo que sufren.
La dirección de Joachim Trier me pareció soberbia, con un tono parsimonioso apropiado para sumergirnos en la dinámica de la familia de muchos años y compenetrarnos con los protagonistas y empatizar con ellos en sus momentos de debilidad, desesperación e incluso egoísmo. El drama nunca tiene necesidad de exagerarse con tragedia o llantos a los gritos. Con ayuda de bellos parlamentos de la narradora en breves momentos y el excelente desempeño del elenco entero, las piezas van armándose satisfactoriamente dando forma a una verdadera obra de arte que cierra los arcos narrativos de los protagonistas de una forma precisa y metafóricamente genial. Aun así no pude evitar sentir la conclusión algo conveniente y repentina. Quizás esperaba algo más contundente y sustancioso en lo que respecta al mensaje y espíritu de la historia que se nos contó. No entraré en terreno de spoilers y aclaro que quedé muy satisfecho con la experiencia general pero hubiese preferido un cierre menos "feel good".
Como dije, gran parte del éxito de Valor Sentimental recae en los interpretes. Stellan Skarsgård logra sin problemas humanizar al egoísta y manipulador director de cine con una sutil actuación que denota nostalgia, arrepentimiento y frustración. Inga Ibsdotter Lilleaas como Agnes, la hija que no se dedicó a la actuación y formó una familia, tiene un papel a primera vista menos lucidor pues parece ajena al conflicto familiar y que superó su infancia con un padre ausente. Pero su rol se vuelve mucho más relevante a medida que avanza su historia con escenas conmovedoras las cuales Lilleaas maneja con precisión y gran destreza. Elle Fanning como la actriz norteamericana Rachel Kemp también brilla brindando una actuación emotiva que debe afrontar contradictorios sentimientos ya que desea trabajar con un director que admira pero que cree no ser la apropiada para el papel. Finalmente Renate Reinsve es sin duda la mejor de todo el ensamble con un trabajo impresionante, detallado y versátil, manejando con total destreza tanto situaciones cómicas como también dramáticas en las que afloran las diversas capas que cubren emocionalmente a su personaje. Una de mis actuaciones favoritas del 2025.
En cuanto a los aspectos técnicos la cinta también es notable. La edición de Olivier Bugge Coutter, la música de Hania Rani, y la fotografía de Kasper Tuxen me parecieron sobrios y apropiados como complementos de la historia y para aumentar su resonancia emocional. El director Joachim Trier hace perfecto uso de estas herramientas cinematográficas, como también de solidos diseño de producción y dirección de arte, para recrear épocas antiguas y el paso del tiempo, con interesantes encuadres y planos significativos.
Resumiendo, Valor Sentimental es un fenomenal drama que llega al corazón sin necesidad de manipulación desvergonzada o afectaciones trilladas. Lo logra por medio de una bien pensada trama de gran profundidad temática, destreza narrativa y personajes realistas e intrigantes que conducen esta historia sobre el arte y su poder sobre las relaciones humanas (ya sea para sanarlas o destruirlas). La recomiendo con confianza advirtiendo que su lento ritmo y su moderado tono podría cansar a quienes busquen mayor estridencia y revelaciones impactantes. Valor Sentimental prefiere algo mucho más cerebral y al mismo tiempo logra algo más sentimental, justamente.
Calificación: 9

La Noche del Espantapájaros (Die'ced: Reloaded)

Sinopsis: En la noche de Halloween un trastornado asesino escapa del hospital psiquiátrico que lo tenia retenido y se dirige a matar personas en la ciudad de Seattle.

Reseña: No se porque perdí ochenta minutos de mi vida viendo La Noche del Espantapájaros. Se ve a kilómetros que se trata de una barata y mediocre cinta de slasher que solo busca copiar lo que obras mucho más ingeniosas y enérgicas han logrado en los últimos años. La obvia comparación es la saga de Terrifier con su estética ochentera y su villano mudo a la vez muy expresivo y desde luego un enorme sadismo para con sus victimas, pero también roba desvergonzadamente elementos de otros clásicos del género como Halloween y Friday the 13th. 
De todas formas lo peor no es su falta de originalidad sino la completa incompetencia del director/escritor Jeremy Rudd para contar una historia lineal que tenga sentido o para crear personajes consistentes que no parezcan actores inexpertos recitando los terribles diálogos que el libreto les endilga. La cinta avanza a empujones con cosas que pasan porque sí, meramente conectadas, alguna que otra escena de tortura o violenta muerte con un "gore" patéticamente falso y risible y actuaciones ridículas. Creo que si alguien sufre una amputación de su brazo o le son introducidos crayones por varios de sus orificios faciales debería expresar mayor molestia que la que causa un resfriado. 
Los personajes no tienen nada que los distinga, su desarrollo o características son la nada misma y el giro final que revela una conexión entre la "final girl" y el asesino no sorprende a nadie porque prácticamente nadie estará despierto para ese momento.
Tal vez parezca absurdo que sea tan duro con una cinta de terror de bajo presupuesto pero me indigna que que productos tan malos como este tengan oportunidad en los cines de mi país a la vez que fomenta el desprestigio de este género realizado de forma independiente. No se necesitan millones de dólares ni actores de primer nivel para hacer algo entretenido y memorable sino simplemente pasión y talento más que mero oportunismo.
Calificación: 2

La Empleada (The Housemaid)

 

Sinopsis: La joven Millie (Sydney Sweeney) es contratada por una acaudalada familia como empleada de su mansión. La oportunidad parece ideal hasta que la esposa y madre Nina (Amanda Seyfried) comienza a comportarse de una manera inquietante y violenta.

Reseña: No leí la novela en la que La Empleada esta basada así que no opinaré de ella como adaptación sino simplemente como película. En ese caso debo decir que su primera mitad es sumamente mediocre, tanto por su predecible trama como también por la dirección de Paul Feig carente de estilo y energía. Feig ha realizado notables trabajos en comedia (tanto en cine como en televisión) pero en su primer largometraje "serio" queda demostrado que su impronta para este tipo de relatos es nula y por lo tanto no puede elevar los componentes tan trillados del libreto. Así tenemos una vez más una historia sobre una mujer joven y hermosa que empieza a trabajar para un matrimonio con sus problemas y resentimientos particulares y como comienza la rivalidad entre las mujeres por el mismo hombre.
Por suerte el guion compensa esta falta de originalidad general con pequeños desviamientos que juegan con nuestras expectativas descubriendo poco a poco los secretos que el trio protagónico oculta tanto de lo que vivieron en sus respectivos pasados como también las motivaciones que podrían tener. Además el giro en el segundo acto me pareció genuinamente inesperado y efectivo, logrando mayor profundidad contemplando temas que van desde la lucha de clases hasta la los roles de género. 
Pero bueno, tampoco se trata de American Beauty. La Empleada sigue siendo un thriller poco novedoso y que olvidaré en unos días pero esta bien actuado, tiene un ritmo apropiado y los últimos 40 minutos sin duda resultan muy intensos y angustiantes. Y esto se debe porque a pesar de la cansada trama los personajes resultan más complejos e interesantes de lo que sugieren al principio y el mencionado "plot-twist" los explota al máximo enfrentándolos y mostrando su verdadera cara.
Hablando del elenco, Sydney Sweeney y Brandon Sklenar son bastante blandos y meramente funcionales durante la primera mitad de La Empleada. Cumplen con los requerimientos de la trama y nada mas. Sumado a esto la presencia de Amanda Seyfried como la inestable Nina los opaca totalmente desbordando energía y crispando nuestros nervios. Pero bueno, tanto Sweeney como Sklenar tienen sus momentos para brillar y lo hacen bien, pero Seyfried sin dudas fue mi favorita.
Creo que la experiencia general de La Empleada es simple y poco trascendente por lo que tampoco tengo mucho para escribir sobre ella. Se trata de otro predecible "thriller romántico" al menos hasta que toma un camino inesperado para entregar algo mucho más entretenido, ingenioso y profundo culturalmente (y en ocasiones perturbador) pero tampoco demasiado. Puedo recomendarla tibiamente para quienes quieran pasar un rato meramente entretenido sin exigir originalidad o material para reflexionar. Yo hubiese preferido ver nuevamente A Simple Favor (o su secuela) donde Paul Feig seguía haciendo comedia pero combinándola diestramente con el thriller y el misterio. Pero para ser justos La Empleada fue decente como primer intento lejos del humor. El tiempo dirá si logra mejorar en esta faceta.
Calificación: 7.5